East-West/West-East punctuates Qatar’s desert landscape

September 21, 2014 § Leave a comment

The Qatar museums authority commissioned ‘East-West/West-East’, a monumental sculptural installation by Richard Serra,situated in a desert at the Brouq Nature Reserve, approximately 60 kilometers from Doha.

Four steel plates punctuate the desert landscape, forming a close relationship to the topography of the site by crossing the peninsula of the protected park and connecting the waters of the gulf. The dark, towering beams rise to 14.7 meters and 16.7 meters above the ground, level to both each other and the gypsum plateaus on either side. Despite the vast distance that the plates span — over a kilometer from one end to the other — all four metal pillars can be viewed and explored from any point within the landscape.

The idea to work in the desert came from the Qataris. Serra recalled a conversation with Sheikha al-Mayassa during the construction of “7”: “She asked me, ‘Would you build a piece in the landscape?,’ and I said to her, ‘What landscape?,’ and she said, ‘The desert.’ ”

These gigantic steel plates are erie monoliths that wouldn’t be out of place in a film by Kubrick or Tarkovski.

Transcultural encounters

September 21, 2014 § Leave a comment

Transcultural encounters: Visualising France and the Maghreb in contemporary art by Siobhán Shilton (Manchester University Press, 2013) explores Franco-Maghrebi crossings in contemporary art, giving particular attention to performance, video, photography and installation.

The first book to focus on postcolonial approaches to art in France and the wider French-speaking world, this study examines new – and distinctively visual – means of presenting diversely transnational identities. Drawing on visual studies and postcolonial studies (both Francophone and Anglophone).

It is driven by the following key questions: how do works of art exploring Franco-Maghrebi identities utilise features specific to the media of performance, video, photography and installation? How do such works of art spur a re-thinking of both postcolonial and feminist issues and critical terms in an uneven globalised Francophone frame? How do they develop art historical debates concerning gender and corporeal representation in their response to issues arising from specific French and Maghrebi cultures? How do these works test the boundaries of established art genres, calling for new modalities of ‘reading’ transnational visual culture?

Here and Elsewhere

July 6, 2014 § Leave a comment

In July 2014, the New Museum will present “Here and Elsewhere,” a major exhibition of contemporary art from and about the Arab world. In the past ten years, the work of artists and cultural spaces in cities such as Amman, Beirut, Cairo, Dubai, Doha, Marrakesh, Ramallah, and Sharjah, among others, have established critical points of global access. However, despite a growing international interest in contemporary art from across North Africa and the Middle East, there have been few presentations of art from these regions in New York. “Here and Elsewhere” is the first museum-wide exhibition in New York to bring together more than forty artists from over twelve countries in the Arab world, many of whom live and work internationally.

Photo by Yto Barrada, N du mot Nation en arabe, Tanger (N of the Nation in Arabic, Tangier), 2003.

The exhibition borrows its title from a 1976 film-essay by French directors Jean-Luc Godard, Jean-Pierre Gorin, and Anne-Marie Miéville. Their film, Ici et ailleurs [Here and Elsewhere], was conceived as a pro-Palestinian documentary, but developed into a complex reflection on the ethics of representation and the status of images as instruments of political consciousness.

Taking inspiration from Godard, Gorin, and Miéville’s film—which has had a strong impact on an entire generation of artists in various Arab countries—the exhibition pays particular attention to the position and role of the artist in the face of historical events. Through different methodologies, an unconventional form of lyrical documentary and personal reportage emerges in works in which the artist is vested with the responsibility of revising dominant historical narratives. Other artists in the exhibition undertake experimental approaches to archival material, rewriting personal and collective traumas, and weaving fragments both real and imagined into their work. For others, traditional mediums like painting, drawing, and sculpture record subtle and intimate shifts in awareness, using images as tools for self-discovery, chronicles of current events, or registers of personal histories.

A reflection on what is at stake in the act of representation characterizes many of the works in the exhibition, as many artists reconsider the task of witnessing and chronicling social and political changes. In addition, a number of pieces initiate a reflection on images as sites of conflict or spaces of intimacy, while others develop a critique of media representation and propaganda.

In keeping with the New Museum’s dedication to showcasing the most engaging work from different parts of the world, “Here and Elsewhere” joins a series of New Museum exhibitions that have introduced urgent questions and new aesthetics to New York audiences.

Following the critical discussions that have animated contemporary art in recent years, “Here and Elsewhere” does not propose a fixed definition of Arab art or a distinctive regional style. With the renegotiation of location and perspective evoked in the exhibition’s title, the show calls attention to specific cities and art scenes while emphasizing the importance of international dialogues that extend beyond the Arab world. Further, the exhibition illuminates similar insights and affinities as well as dramatic differences, revealing multiple social and aesthetic landscapes rather than a fictional sense of unity.

Combining pivotal and under-recognized figures with younger and midcareer artists, “Here and Elsewhere” works against the notion of the Arab world as a homogenous or cohesive entity. Through the original and individualized practices of this multigenerational constellation of artists, the exhibition highlights works that often have conceptual or aesthetic roots in the Arab world, yet extend well beyond. Emerging from the works of a particularly strong and diverse group of artists are less the contours of an “imagined geography”—to use the words of Edward Said—than new critical attitudes toward art and images that encourage us to look “elsewhere” in order to understand our “here.”

Including the following artists: Mustapha Akrim (MA), Kader Attia (DZ), Yto Barrada (MA), Fakhri El Ghezal (TUN), Bouchra Khalili (MA), Selma and Sofiane Ouissi (TUN), Mohamed Larbi Rahali (MA).

With a curatorial project of archival materials and artworks by Ala Younis featuring (among others): Neïl Beloufa (DZ), Mohssin Harraki (MA), Amina Menia (DZ).

And many more artists across the Middle East.

Source: The New Museum (NYC)

>>> An in-depth look at the role and impact of contemporary art in the Arab world…

Captifs et corsaires en Méditerranée entre 1550 et 1830

July 6, 2014 § Leave a comment

Gillian Weiss, spécialiste de l’Histoire de la Méditerranée moderne à l’Université Case Western Reserve de Cleveland aux USA, présente son livre Captifs et corsaires – L’identité française de l’esclavage en Méditerranée.

Histoire des affrontements entre la France et les Barbaresques entre 1550 et 1830 et des milliers d’esclaves français en Afrique du Nord. Montre comment ces captifs, au statut incertain, contraignirent l’Etat à reconfigurer les caractères de l’identité française et à étendre son emprise sur ces régions périphériques. Une histoire de l’idéologie de l’émancipation par la conquête.

Captifs et corsaires n’est pas seulement un livre qui relate l’histoire des affrontements entre la France et les Barbaresques de 1550 à 1830, date de la conquête d’Alger par la France ; c’est un tour de force, une sorte d’excursion historique sur les côtes méditerranéennes entre le 16ème et le 19ème siècle, entre la France et les barbaresques. Une Histoire très peu connue en France.

>>> Source : La suite dans les idées

Dans l’étrange laboratoire d’Ymène Chetouane

June 10, 2014 § 1 Comment

L’atelier d’Ymène Chetouane, où sont conçues ses étranges figures hybrides, a des airs de laboratoire monstrueux où têtes écrasées et percées jouxtent corps de poupées désarticulées ou gargouilles d’un genre nouveau. Les créatures de terre cuite sorties de l’imagination de la jeune céramiste tunisienne effraient et interrogent le spectateur.

Par Ymene Chetouane. A la Galerie Talmart - Exposition Ob-Cène Photo by EWWE 2014

Par Ymene Chetouane. Exposition Ob-Cène
Photo by EWWE 2014

L’artiste s’est d’abord attachée à explorer notre monstruosité et notre identité à travers des pièces mêlant formes enfantines et animales (têtes d’ânes, corps de poulets ou encore écailles reptiliennes, cornes etc.), éléments de mécanique (roue, clefs, boulons, etc.). Ainsi les pièces Je ne suis personne, One ou encore Them ( exposées en janvier 2013 pour « 24 P », première exposition personnelle de l’artiste), nous présentent des visages poupins et cornus, des corps d’écailles. Certaines figurines s’apparentent à des larves rampantes dont le visage s’échappe d’une enveloppe squameuse (Respire)… Pas un corps qui ne soit incomplet ; les corps informes et serpentins suggèrent une forme d’inachèvement, une humanité aux marges de l’humain. La série de têtes aux longs cheveux blonds de Don’t be afraid tient de l’apparition fantomatique, tandis que les têtes trophées ou bustes sans bras (Today), dressent le portrait d’une humanité infirme, atrophiée, fragile comme la porcelaine des poupées. La figurine SOS dit toute cette détresse de sa bouche entrouverte de poupée, dans ce corps couché, écrasé, quasi liquéfié, ironiquement drapé de motifs fleuris roses, naïfs, proie aux bois de cerf sacrifié.

SOS par Ymène Chetouane

SOS par Ymène Chetouane

Quelques pièces cependant font de cet inachèvement la base d’un élan. Remember me et ses putti à crêtes, vernis, sont d’une vitalité plus insolente, qui transcendent leur condition de trophée, en étirant leur cou vissé au mur ; dans Respire, les poupons emmaillotés d’écailles se hissent par une hélice vissée dans le crâne vers un ailleurs rêvé. Plusieurs pièces traduisent l’ambivalence par leur tête redoublée (Fight, ou Me and me, énigmatique autoportrait). Cherchez l’erreur est une mise en scène de cette incertitude et de cette mise à nu du monstrueux en nous. Deux bustes similaires portent une tête semblablement masquée par une décalcomanie de tissu liberty qui épouse leurs traits comme un masque de catcheur, version poupée ; mais – cherchez l’erreur -, les traits humains de l’un ne sont plus chez l’autre qu’une tête d’âne.

Cherchez l'erreur par Ymène Chetouane.

Cherchez l’erreur par Ymène Chetouane.

Enfants-cerfs, enfants reptiliens, têtes gémellaires, etc. sont autant de chimères nouvelles, d’autant plus fascinantes et inquiétantes qu’elles sont modelées sur des visages juvéniles de poupées fragiles. A la suite d’un Hans Bellmer[1], mais sans la charge érotico-sadique de celui-ci, Ymène Chetouane « joue à la poupée d’une autre manière », selon ses propres mots. Moulées et modelées dans la matière délicate des poupées de porcelaine, les œuvres de l’artiste malmènent cette image enfantine de l’innocence et de la fragilité, et créent le malaise. Les têtes isolées pourraient évoquer les putti renaissants, mais sont autant de têtes décapitées et exposées. Le regard sans yeux de ces poupées est alors pétrifiant. Et nous sommes ces jouets, dont le propre est d’être manipulés. Si l’artiste « joue à la poupée », elle met aussi en scène le citoyen comme jouet du pouvoir et le puissant comme pantin.

L’œuvre de la céramiste est travaillée par cette idée politique, qu’elle explore avec constance et profondeur. La représentation métaphorique du pouvoir est au cœur de sa recherche depuis plusieurs années.

Ainsi plusieurs pièces se présentent comme des allégories du pouvoir. La simplicité même du procédé – couronne ou dorure comme métaphore – n’interdit pas la finesse et donne aux œuvres une limpidité percutante. Par exemple, Reality aligne six têtes de poupées couronnées percées d’une clef mécanique, image d’un pouvoir capricieux, infantile. Dans le même temps, l’artiste aligne les trophées dont elle a eu la tête. L’homme de pouvoir est ramené au statut de poupée. « Big crown », mais sans bras, il est celui qui accorde plus d’importance à l’affirmation du pouvoir qu’au véritable exercice politique dont il est incapable. Nombre de figures couronnées sont ainsi privées de bras, à l’instar du gisant minuscule de Last round ou encore des statuettes de baby-foot traversées par un manche (Baby-foot). La céramiste y représente avec un humour glaçant la manipulation par des instances supérieures et invisibles. Joueurs rouges et bleus sont d’ailleurs totalement interchangeables ; à ce jeu, pas un pour racheter l’autre.

Baby-foot par Ymène Chetouane. Photo by EWWE 2014

Baby-foot par Ymène Chetouane.
Photo by EWWE 2014

A la fois tyran et caduc, le chef[2] est représenté de façon ambivalente. Dans l’exposition 24 P, deux pièces peuvent être mises en regard. Mr P, président avorton et aveugle – au sort de son peuple ?-, mais à l’avidité dévorante, tout en dents, est représenté en gloire en dépit de sa faiblesse manifeste, comme un gisant royal sur un coussin. Le pouvoir organise sa propre célébration. Mais l’artiste dévoile le vrai visage du chef dans Goodbye Mr P, où un avorton semblable gît, cette fois poignardé. Le couteau planté dans le cœur a révélé l’imposture première. Le roi n’a pas de visage et n’avait d’humain que l’apparence. Car sa tête dont la couronne est tombée n’est plus qu’un amas d’écailles. Autant de métaphores frappantes qui certes peuvent être lues comme des références au contexte tunisien. Mais par la distance symbolique, le propos d’Ymène Chetouane accède à l’universalité. En aucun cas les œuvres de l’artiste ne sauraient être réduites à des œuvres de circonstance[3]. Les céramiques pourraient ainsi tout aussi bien faire écho à l’ancien texte de L’Ecclésiaste : « Malheur à toi, pays dont le roi est un enfant et dont les princes festoient dès le matin ».

Goodbye Mr "P" par Ymène Chetouane

Goodbye Mr “P” par Ymène Chetouane

L’artiste réfléchit également aux rapports entre pouvoir et religion. Un chapelet surmonté d’une couronne égrène des crânes, victimes solidement ficelées. C’est sur des cadavres que se récitent les prières. Les Demoiselles d’Avignon  d’Ymène Chetouane ont perdu toute humanité dans leur niqab, qui évoque plutôt la forme d’un obus. Là encore, la couronne dorée vient rappeler les enjeux de pouvoir dans cette représentation de la sujétion féminine. On la retrouve aussi dans la série Silence, où les têtes alignées sont enserrées et couronnées dans un émail noir qui peut rappeler le hijab. Par ailleurs, dans Sur Commande, l’artiste expose la réalité des promesses faites aux fous d’Allah : têtes d’âne, sans bras, la clef dorée du Paradis promis, inutile, accrochée autour du cou, les martyrs autoproclamés ne sont plus que des cadavres alignés en séries, interchangeables.

Sur Commande par Ymène Chetouane

Sur Commande par Ymène Chetouane

Et c’est bien la violence faite à l’humanité que les travaux récents d’Ymène Chetouane exposent. La violence n’est jamais représentée dans sa brutalité brusque, comme un phénomène rapide et spectaculaire, mais comme le résultat d’un processus d’oppression continue. Les crânes fragiles des poupées sont souvent perforés, percés de clefs, de boulons, de fil, de guidons, de tringles…. Le manche de baby-foot évoque un tournebroche… Le pouvoir qui fait fonctionner ces poupées et qui les manipule est aussi ce qui les transperce cruellement. Pour les ordonner, pour les diriger, on leur entre quelque chose dans le crâne ! Ils ne peuvent plus bouger. L’alignement obsessionnel est aussi en soi morbide : corps de martyrs en série, trophées de chasse, uniformisés… Dans l’univers de l’artiste, l’ordre est loin d’être rassurant, car il opprime et comprime. Ainsi les déformations imprimées par l’artiste aux visages malléables de Pickpocket traduisent cet écrasement par les cadres, au sens propre… L’usage de l’argile de porcelaine, par sa plasticité première puis sa fragilité après cuisson, est en lui-même terriblement signifiant. Il y a une rencontre nécessaire entre le moyen d’expression de l’artiste, et son propos, qui ne déploie tout son sens que dans cette matière.

Vue de l’atelier d’Ymène Chetouane. Photo by EWWE 2014

Si certaines œuvres représentent cet assujettissement avec une ironie grinçante, comme Baby-foot ou encore Brochette de cervelles avec ses motifs de rideaux fleuris, les œuvres les plus récentes de la céramiste, exposées entre autres dans le cadre de l’exposition Ob-cène[4], prolongent cette réflexion de manière effrayante. Le baby-foot et les tricycles (Without wheels) restent des jeux, mais le chapelet quant à lui évoque un charnier[5].

Our chickens speak for themselves expose aux regards d’hallucinantes gargouilles modernes. Ces poulets de batterie, à tête de poupon vulnérable, ont des ailes, mais qui ne leur permettent aucun envol. On est à présent loin des poupons d’écailles propulsés par une hélice, dans Respire. Les ailes et les cuisses des corps plumés font penser à des membres atrophiés, nouvelle variation sur cette métaphore de l’impuissance très présente chez l’artiste. Comme sur les poupées tricycles de Without wheels, les yeux des poupées-volailles sont masqués par un bandeau d’émail noir, qui évoque autant le marqueur de l’anonymat dans les médias que le bandeau des condamnés à mort. La métaphore de la condition du citoyen moderne, exposé sur le marché, interchangeable, aveugle, naïf, sujet devenu objet de consommation standardisé, est proprement glaçante. Ces « gargouilles » ouvrent une bouche enfantine et muette, prises au piège. Plus éprouvante encore est la confrontation avec les visages comprimés et déformés par des sacs plastiques de supermarché dans All you can eat. C’est la fin du processus ; l’homme-poupée devenu déchet, s’adonne à sa propre consommation[6].

Les pièces d’Ymène Chetouane interpellent car elles mettent à nu l’illusion de puissance, que symbolisaient les couronnes, clefs et autres dorures glorieuses. Ne reste que des « hommes sans bras », des têtes sans corps, victimes dérisoires d’un ordre invisible.

All you can eat par Ymène Chetouane. Exposition Ob_Cène à la galerie Talmart.  Photo by EWWE 2014

All you can eat par Ymène Chetouane. Exposition Ob_Cène à la galerie Talmart.
Photo by EWWE 2014

C’est aussi l’extrême pureté, l’économie de moyens qui donne aux œuvres leur puissance d’évocation. Leur apparence simple leur confère une immédiate force de frappe. Les formes travaillées sont immédiatement identifiables, appartenant au patrimoine artistique (gisants, gargouilles, chapelet ou putti) ou bien à un univers familier (jouets d’enfants, sacs plastiques) ; et pourtant les figures hybrides sont profondément déstabilisantes. Par ses titres abstraits et énigmatiques, l’artiste refuse de figer l’interprétation. A la fois conceptualisations et terriblement concrètes dans le traitement de la matière et des formes, les pièces, dans leur apparent dépouillement, proposent un propos politique complexe, dont la portée dépasse le contemporain.

D’ailleurs, l’artiste est membre actif du collectif « Politiques » et son travail est emblématique du projet de ce jeune groupe d’artistes qui revendique un propos politique qui passe par la recherche sur les formes, et non par les moyens discursifs de la politique « politicienne ». Elle a également exposé avec le collectif féminin Khadra. En juin 2014, on pourra voir les œuvres d’Ymène Chetouane à Paris à la galerie Talmart avec l’artiste Nadia Benbouta sous le titre « Ob-cène », puis à la galerie Le Violon bleu à Tunis, qui représente l’artiste. Sa prochaine exposition personnelle est prévue pour mai 2015, au Violon bleu.

Texte d’Anastasia Rostan

[1] La céramiste a été également très marquée par le travail des frères Chapman sur les mannequins.

[2] Et d’ailleurs chef ne signifie-t-il pas « tête » ?

[3] A l’instar des œuvres du collectif « Politiques » auquel appartient l’artiste.

[4] Exposition d’Ymène Chetouane et Nadia Benbouta à la galerie Talmart à Paris, du 15 mai au 14 juin 2014.

[5] D’ailleurs, l’artiste travaille à une installation de minuscules têtes de poupées semblables à celles qui constituent le chapelet. A moitié déformées, elles évoquent des objets écrasés par une chute, et bel et bien un charnier.

[6] Voir le très beau texte du philosophe Arafat Sadallah à propos de l’exposition : All you can eat.

New Media and Critical Practices in North Africa and the Middle East

May 11, 2014 § Leave a comment

Uncommon Grounds: New Media and Critical Practices in North Africa and the Middle East, edited by Anthony Downey.

Ibraaz Publishing and I.B. Tauris announced the forthcoming publication of Volume 01 in the Visual Culture in North Africa and the Middle East Series. This volume explores the role of new media in contemporary art practices today and how artists articulate new cultural, social, and political potentialities.

Contemporary artists across North Africa and the Middle East are not only developing the critical field of new media, but also suggesting horizons for future cultural development and forms of political activism. These developments come with a series of critical questions, including an enquiry into the extent to which art has been co-opted into political agendas and the compulsive demands of global media. The focus of this book is therefore not so much on the role of artists as activists, a role that can be readily co-opted into the often divisive, issue-led world of political activism; rather, it is on how artistic practices expand the very notion of activism, protest and political participation.

Concentrating on both historical and more recent developments in the region, Uncommon Grounds is particularly concerned with how artists engage with communities and public space. Again and again, we see how these practices intersect with civic, political and public imaginations and, in doing so, recalibrate the forms that culture can assume over time. It is with this in mind that these collected essays and artists’ projects engage with and challenge cultural forms, and, through their engagement with public spheres and civic society, they negotiate their relevance as tools for social change in North Africa and the Middle East today.

Source: Ibraaz

Machine

April 5, 2014 § Leave a comment

Machine is an animation by Algerian artist Massinissa Selmani. Another take on the myth of Sisyphus?

>>> Massinissa’s website